10 cineastas que hicieron todo lo posible para realizar sus películas

A veces lo impensable sucede en la película por accidente y otras veces es por diseño. Ciertamente, no es inusual que un director haga grandes exigencias y ordene que los mares se abran para conseguir la toma perfecta. Sin embargo, algunos han ido más lejos que otros para lograrlo, tomando lo que podría considerarse difícilmente posible y elevándolo a 11.

En nombre de la creatividad, la autenticidad y la pura audacia, estos cineastas dejaron de lado la precaución y fueron pioneros en innovaciones técnicas, construyeron estructuras inimaginables, llevaron a los actores al límite y llegaron a los extremos para hacer la película que querían.

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10 Abel Gance creó un nuevo formato (Napoleón, 1927)

Mucho antes de que Ridley Scott abordara la historia del infame comandante francés, Abel Gance hizo esta película muda profundamente influyente. Napoleón. Al contar la historia de la vida de Napoleón Bonaparte desde la escuela militar hasta la invasión de Italia, la megaepopeya de 330 minutos es aclamada como una obra maestra cinematográfica, pionera en un estilo de cámara amplio y fluido que desafiaba principalmente las convenciones. estático para crear imágenes en el tiempo.

Si bien se utilizó una variedad de técnicas innovadoras en la fabricación de NapoleónIncluyendo el uso surrealista del color, exposiciones múltiples e imágenes caleidoscópicas, la innovación más importante fue la invención de Gance de un formato cinematográfico completamente nuevo.

El director creó Polyvision, un formato personalizado diseñado para cumplir su visión del clímax de la película en pantalla ancha. Tres veces el ancho de la proyección estándar en ese momento y aún significativamente más ancho que cualquier relación de aspecto utilizada hoy en día, Polyvision de Gance implicaba apilar tres cámaras juntas mientras filmaba sus secuencias y tres proyectores uno al lado del otro para proyectarlas. Por supuesto, el formato nunca despegó, pero el alcance, la ambición y el producto final son excepcionalmente impresionantes.[1]

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9 El molino de viento gigante de Terry Gilliam (El hombre que mató a Don Quijote, 2018)

El cineasta absurdo Terry Gilliam pasó tres décadas intentando hacer El hombre que mató a Don Quijote, luchando con estudios y contratiempos y languideciendo en el infierno del desarrollo. Pero perseveró y llevó la película al público en 2018, con Adam Driver y Jonathan Pryce ayudando a crear una película audaz, aunque defectuosa, que puso fin a los problemas del director.

Uno de los muchos desafíos en el camino fue erigir los famosos molinos de viento, a los que Quijote se enfrenta pensando que eran gigantes. A pesar de abarcar tres décadas, Gilliam tuvo un tiempo de preparación limitado para filmar gracias a las restricciones de permisos que dictaban dónde y cuándo podía filmar en varios lugares históricos.

Gracias a ello, construyó molinos de viento en muchas ciudades y castillos en un tiempo récord y recorrió sus creaciones por toda la España continental, Canarias y Portugal. Pero uno de los desafíos logísticos más difíciles fue erigir la estructura sobre una antigua aldea del siglo VII. Para garantizar que la producción dejara el valioso espacio exactamente como lo encontraron, contaron con un arqueólogo disponible para dirigir el trabajo y, afortunadamente para todos los involucrados, nada resultó dañado.[2]

8 Alfred Hitchcock arrojó pájaros vivos a su estrella (Los pájaros, 1963)

A pesar de ser uno de los cineastas más respetados de todos los tiempos, las relaciones de Alfred Hitchcock con sus estrellas femeninas eran notoriamente tensas, quizás ninguna más que con Tippi Hedren, estrella de la icónica Creature Race. Las aves.

Como protagonista de la película, Hedren tiene mucho más tiempo en pantalla que cualquier otra persona, y esto significó que estuvo muy cerca del director durante toda la producción. Los dos no se agradaron desde el principio y la tensión resultante llegó a un punto crítico durante el rodaje de la escena en la que el personaje de Hedren está rodeado de pájaros que han atravesado el techo y han entrado en la casa.

Decidido a hacer esta secuencia lo más real posible, Hitchcock insistió en utilizar aves vivas. Aunque la escena solo duró un minuto en pantalla, los ejecutivos arrojaron a Hedren pájaros de todas las formas y tamaños durante cinco días seguidos, algo que la estrella atribuyó al odio del director hacia ella. El resultado final es sorprendente, pero es difícil argumentar que valió la pena el trauma físico y emocional que sufrió Hedren.[3]

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7 Cáscaras de langosta y maní de Terrence Malick (Días del cielo, 1978)

Terrence Malick, un director mucho más benévolo pero no menos dedicado que Hitchcock, siempre ha estado dispuesto a hacer todo lo posible para crear la película que quiere hacer, incluso en los últimos años ha evitado la trama y la narrativa convencionales en favor de un tema más flexible. composiciones (desconcertando tanto al público como a la crítica).

En los primeros días de Malick, cuando estaba haciendo su segundo gran drama romántico de época. Dias del cielo, el director no sabía cómo crear el efecto de una plaga de langostas que surgía de su campo de trigo. A diferencia de Hitchcock, no consideró el uso de animales vivos. Sin embargo, gracias a su director de fotografía, Néstor Almendros, no tuvo que hacerlo.

Almendros propuso una técnica logísticamente audaz que produciría el efecto manteniendo el control de la escena, y Malick estuvo de acuerdo. Contrataron helicópteros y los usaron para dejar caer miles de cáscaras de maní mientras las cámaras retrocedían. En la proyección frontal, las langostas con cáscara de maní parecían volar del suelo y rodear a los actores en la toma. Aunque nadie estaba convencido en ese momento, Malick siguió adelante y funcionó a las mil maravillas.[4]

6 Acrobacias de peleas de perros de Howard Hughes (Ángeles del infierno, 1930)

Varias décadas antes de la fundación del famoso club ilegal de motociclistas del mismo nombre, Ángeles del infierno llegar a la pantalla grande. La película, que presenta aviones militares y peleas aéreas, está basada en la historia de dos hermanos cuya membresía en el Royal Flying Corps británico durante la Primera Guerra Mundial los definirá.

Dirigida por el excéntrico magnate estadounidense Howard Hughes, costó una pequeña fortuna y, a pesar de los buenos resultados en taquilla, no alcanzó el punto de equilibrio. Hughes, aviador y entusiasta de los aviones, no escatimó gastos en uno de los proyectos más apasionantes de su vida y diseñó él mismo las secuencias de los combates aéreos, priorizando la emoción y el peligro sobre el pragmatismo y la seguridad.

Tan persistente era la búsqueda de Hughes de las secuencias de vuelo perfectas, y tan grande era su ego, que decidió hacer él mismo las maniobras más peligrosas, ya que sus pilotos acrobáticos se mostraban reacios a completarlas. Hughes surcó los cielos en un avión real de la Primera Guerra Mundial y, como era de esperar, se estrelló, pero salió vivo y con algunos buenos tiros para demostrarlo.[5]

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5 Tom Hooper hizo cantar en directo a todo el reparto (Los Miserables, 2012)

Claude-Michel Schönberg, Alain Boublil y Jean-Marc Natel adaptaron la novela histórica del siglo XIX de Victor Hugo como musical en 1980 y lo han hecho desde entonces. Los Miserables Ha sido un fenómeno global continuo. Como tal, ha habido varias versiones cinematográficas durante las últimas cuatro décadas, pero ninguna tan atrevida como la impresionante adaptación de Tom Hooper de 2012.

Con un elenco formado por Hugh Jackman, Anne Hathaway, Russell Crowe y otros, mucho dependía de la versión de Hooper, y en lugar de hacerlo a medias, el director optó por que todos cantaran sus partes en vivo (en lugar de doblarlas más tarde, como es el caso). norma). En cada toma, el actor cantó la canción completa en una serie de micrófonos creativamente disfrazados con un pianista tocando en el auricular. Esto no tenía precedentes, especialmente en una película de tal escala y presupuesto, con actores de distintos niveles de experiencia (en lugar de, digamos, cantantes entrenados) intercambiando sus propias habilidades vocales.

Pero al darle a sus actores la libertad de adaptar el tempo, la entonación y el acento de las canciones durante su interpretación, Hooper logró producir una versión original y matizada de un material ya muy usado que, sin embargo, tiene sus raíces en el teatro.[6]

4 James Cameron patentó una nueva técnica de filmación submarina (Titanic, 1997)

Si bien James Cameron ha hecho una carrera combinando la innovación tecnológica y la realización cinematográfica, impulsando avances en el cine para adaptarse a sus proyectos, uno de los ejemplos más impresionantes de su ingenio se produjo antes de su megaproducción. Titánicoinfluenciado por los desafíos de producción que experimentó mientras hacía la película de 1989. El abismo.

Cameron buscó un nivel de maniobrabilidad bajo el agua al filmar que simplemente no existía en ese momento, y terminó colaborando con Cameron en un diseño dos años más tarde para un dispositivo que permitía a los operadores de cámara y al equipo moverse más fácilmente durante las secuencias bajo el agua. . La tecnología impulsa a su usuario con hélices conectadas a un muelle. Aunque pueda parecer una solución sencilla, ¡nadie lo había hecho antes de 1991!

Y funcionó: permitió a Cameron y su equipo filmar de forma mucho más fluida y fluida en entornos submarinos tan solo unos años más tarde, capturando Imágenes bajo el agua de lo real Titánico tanto para su uso en la película como para informar el diseño de sus decorados.[7]

3 Werner Herzog tiró de un barco sobre una colina (Fitzcarraldo, 1982)

Fitzcarraldo Fue una producción notoriamente desafiante para el fallecido director alemán Werner Herzog, exacerbada al extremo por la disputa entre él y su protagonista, Klaus Kinski. Si bien las tensiones eran altas y las amenazas de muerte abundantes, el mayor desafío de la producción fue en realidad logístico.

La película trata sobre un aspirante a barón del caucho (Kinski), que está decidido a transportar su barco de vapor por una colina empinada para acceder a una zona del Amazonas rica en caucho. Tratando de mantenerse fiel al tipo de realismo escénico que descendió hasta lo verdaderamente absurdo en el trabajo posterior del director (ver imágenes de la entrevista de 2005 Hombre Grizzlypor ejemplo), Herzog se conformaría con nada menos que remolcar un barco sobre una colina.

Así, el director y su equipo tuvieron que mover un barco de vapor real de 320 toneladas sobre una colina resbaladiza y embarrada sin efectos especiales. Al lograr la hazaña con sólo dos dígitos de lesiones y la muerte de varios indígenas, Herzog se coronó como el "Conquistador de los Inútiles", confiando en que nadie había logrado tal hazaña antes. Dada la pesadilla que esto supone para la salud y la seguridad, probablemente nunca lo volverán a hacer.[8]

2 Jacques Tati construyó una ciudad (PlayTime, 1967)

La película más atrevida y atrevida de Jacques Tati, Tiempo de juego, ve al autor francés ambientar su historia en un París futuro que ha sido significativamente deformado bajo la bota del capitalismo de consumo. Las muchas maravillas arquitectónicas de la ciudad han desaparecido en gran medida, reemplazadas por hilera tras hilera de edificios idénticos, grises y brutalistas.

Dado que París tiene restricciones sobre lo que se puede construir en la ciudad, había pocas esperanzas de que Tati tomara un terreno lo suficientemente grande para erigir su fachada futurista, y no era partidario de las fábricas propuestas como reemplazo. Por lo tanto, no dispuesto a comprometer su visión, la única opción de Tati (en su mente) era construir la ciudad desde cero.

Para el rodaje, sin embargo, no necesitaba una ciudad entera, por lo que en su lugar se construyó algo más grande, conocido cariñosamente como "Tativille". Construida en tres meses, la ciudad se construyó en un campo abierto al este de París alquilado al director por el ayuntamiento. Tenía su propia terminal aérea, tiendas y oficinas de gran altura. Aunque el director intentó salvar su querida ciudad, el ministro francés de Cultura, André Malraux, ordenó demoler Tativille una vez finalizado el rodaje.[9]

1 Klim Shipenko fue al espacio (El desafío, 2023)

La carrera espacial fue uno de los acontecimientos sociales y tecnológicos más importantes de la Guerra Fría, cuando Estados Unidos y Rusia lucharon con uñas y dientes para llevar al hombre a la luna primero. Si bien Estados Unidos salió victorioso, eso no ha impedido que los rusos intenten desesperadamente superarlos en los años posteriores. Y si bien muchas de las empresas espaciales de Rusia han estado mal planificadas, carentes de fondos suficientes y han sido desafortunadas, otras no.

La película de 2023 del director ruso Klim Shipenko El reto– en la que una cirujana (Yulia Peresild) es enviada al Sistema Espacial Internacional para salvar a un cosmonauta demasiado débil para regresar a la Tierra – rompió todos los límites al tomar asiento en el espacio. Shipenko acompañó a Peresild a la órbita en 2021, realizando una misión de 12 días en la que la pareja filmó escenas en la ISS real.

Si es realmente bueno o no, El reto es la primera película rodada en el espacio, superando un proyecto similar propuesto por Tom Cruise y Elon Musk y lanzando a Shipenko y su tripulación directamente a los libros de historia.[10]

Referencia : "https://listverse.com/2023/11/29/10-filmmakers-who-went-to-extreme-lengths-to-make-their-movies/"

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