10 obras de arte famosas que no son lo que parecen

El arte es muy personal para el artista; Pintan sus sentimientos, esperanzas y sueños en el lienzo, luego retroceden y esperan que los espectadores los comprendan. A veces lo hacemos y a veces no. Muchos cuadros transmiten mensajes opuestos, lo que no facilita el proceso. Sin el contexto necesario, los espectadores ven la imagen y, naturalmente, la toman al pie de la letra.

Puede resultar complicado distinguir este tipo de pinturas del resto. Incluso una naturaleza muerta aparentemente "simple" puede estar llena de detalles intrincados y significados ocultos. Asimismo, algunas de las obras de arte más famosas de la historia contienen al menos un aspecto que la mayoría de los espectadores ha pasado por alto. ¿Siempre hace la diferencia? No necesariamente. Pero suele ser bastante interesante. Continúe leyendo para conocer 10 obras de arte famosas que no son exactamente lo que parecen.

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10 Autorretrato con venda en la oreja (1889) de Vincent Van Gogh

Entre los cuadros más famosos de la historia se encuentra el de Vincent Van Gogh. Autorretrato con venda en la oreja.. La obra de arte es mejor conocida por haber sido pintada poco después de que el artista le cortara la oreja. Una teoría popular es que sucedió después de que bebió demasiada sustancia alucinógena ajenjo, pero esa no es toda la historia.

Su compañero artista Paul Gauguin vino a vivir y trabajar con Van Gogh en su pequeña casa amarilla en el sur de Francia. A pesar de un comienzo prometedor, su relación se volvió tumultuosa y tensa. Cuando Van Gogh sospechó que Gauguin planeaba irse, y Gauguin lo confirmó, Van Gogh no se tomó muy bien la noticia.

Según Gauguin, Van Gogh "lo secundó" amenazadoramente con "un cuchillo en la mano". Más tarde esa noche, Van Gogh usó la misma cuchilla para quitar la oreja. Inicialmente, Van Gogh parecía muerto, con sangre cubriendo la cama y la mayor parte de su casa. Gauguin confirmó que estaba vivo pero pidió a las autoridades que dijeran a Van Gogh que había regresado a París. Van Gogh pintó el autorretrato como una garantía de que estaba sano, descansado y cooperando plenamente con las órdenes de sus médicos, como mantenerse abrigado con un abrigo y un gorro.[1]

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9 Dos mujeres tahitianas (1899) de Paul Gauguin

Hablando de Gauguin, cuando el artista parisino dejó la Casa Amarilla, se convirtió en un artista que muchos afirman que era "más importante que Van Gogh". Dos mujeres tahitianas es una de varias pinturas de Gauguin que representan a mujeres indígenas retratadas como la "noche tahitiana" ideal. A pesar de su apariencia inocente, la pintura guarda oscuros secretos. Más tarde se reveló que las mujeres eran más que modelos para el artista. También eran sus esclavas sexuales.

Cuando Gauguin se mudó a las islas de Tahití y Hiva Oa en el Pacífico Sur, tomó tres esposas nativas, de 13, 14 y 14 años. Afirmó que "dejó el París decadente en busca de una vida más limpia en un paraíso fértil del Mar del Sur" e infectó a sus jóvenes esposas y a muchas otras personas con sífilis en la casa que llamó La Maison du Jouir ("Casa de los Orgasmos"). Las grietas en su carácter aparecieron antes, cuando dejó a su esposa y sus cinco hijos para mudarse con Van Gogh durante esos nueve meses difíciles. ¿El castigo por sus malas acciones? Falta de exposición póstuma.[2]

8 El grito (1893) de Edvard Munch

Icónico al nivel de tener su propio emoji, el de Edvard Munch El grito No es exactamente lo que parece. El famoso artista expresionista proporcionó cierto contexto sobre su inspiración en una entrada de diario fechada el 22 de enero de 1892:

"Estaba caminando por la carretera con dos amigos. El sol se estaba poniendo, sentí una oleada de melancolía, de repente el cielo se puso rojo sangre. Me detuve, apoyándome en la barandilla, muerto de cansancio mientras el cielo ardiente colgaba como sangre y espada. Sobre el fiordo negro azulado y la ciudad continuaron mis amigos, yo me quedé allí temblando de angustia y sentí un enorme grito interminable a través de la naturaleza.

Sus palabras han llevado a muchos a teorizar que la figura del cuadro representa al propio Munch. Pero los historiadores del arte dicen que la figura recuerda a una momia peruana que Munch vio en la Exposición Mundial de 1889 en París.[3]

7 La muerte y el niño (1889) de Edvard Munch

El grito No es el único cuadro del artista noruego Edvard Munch que contiene más de lo que parece. su pintura La muerte y el niño. Representa a una mujer joven parada frente a la cama de su madre recientemente fallecida.

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Toda la familia de Munch, excepto su devoto padre, murió de una enfermedad cuando él era un niño. Su padre le enseñó que su muerte era "un castigo divino por sus fechorías", lección que influyó mucho en Munch durante su infancia y principios de su edad adulta. La muerte y el niño representa la tragedia temprana y el dolor silencioso que sufrió, como se ve en la expresión perturbada de la niña. Al mismo tiempo, sus ojos muestran una expresión distante que sugiere que se ha alejado de la realidad.

También se habla de que el cuadro está embrujado. Muchos de sus antiguos propietarios relataron extrañas experiencias sobrenaturales tras tomarlos. La muerte y el niño. en sus hogares. Entre ellas se incluían afirmaciones de que los ojos de las jóvenes las seguían a dondequiera que fueran y que las sábanas de la madre crujían audiblemente cuando se acercaban a la obra de arte.[4]

6 Réplica de La carta de amor (1887) de Richard King

Aunque es una copia de Carta de amor Por Charles Trevor Garland (1885-1906), Algo en la pintura de Richard King la distingue de su predecesora. Mejor conocido por aparecer en el Hotel Driskill en Austin, Texas, el cuadro de King fue comprado para servir como tributo a Samantha Houston, una niña de cinco años que cayó y murió en los escalones de la entrada mientras perseguía su pelota de juguete. (Se rumorea que el tema de la pintura tiene un sorprendente parecido con la joven Samantha).

Los invitados han informado de experiencias extrañas desde que se instaló la pintura en el quinto piso. Describieron ataques inexplicables de mareos, náuseas y la alarmante sensación de ser levantado del suelo. Algunos huéspedes del hotel afirmaron que el sujeto del cuadro intentaba comunicarse con ellos porque notaron que su expresión cambiaba cada vez que apartaban la mirada. El fantasma de Samantha incluso hizo sonar el pomo de la puerta del apartamento Yellow Rose, que está cerca del cuadro.[5]

5 El fantasma de una pulga (1819-1820) de William Blake

fantasma de una pulga del artista, grabador y poeta londinense William Blake contrasta con la mayoría de sus famosas obras de arte, que consisten principalmente en formas celestiales. La inspiración de Blake para estas obras "iluminadas" fueron las visiones que tuvo desde los cuatro años cuando afirmó haber visto la cabeza de Dios aparecer a través de la ventana de su casa familiar.

También vio ángeles ocupando árboles cercanos con "brillantes alas angelicales adornando cada rama como estrellas". La vista lo siguió durante su adolescencia. En la edad adulta, este tipo de visiones eran comunes para Blake. Como resultado, muchos de sus contemporáneos creían que estaba loco.

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Inspiración para fantasma de una pulga Provino de un tipo diferente de visión. John Varley, un colega artista y amigo cercano de Blake, explicó en su Disertación sobre la fisonomía del zodíaco. que la pintura se basó en una visión espiritual de un fantasma y una pulga. Cuando Blake respiró hondo, le dijo que "todas las pulgas estaban habitadas por almas de hombres que eran 'por naturaleza extremadamente sedientos de sangre'". La criatura, una aterradora mezcla de hombre y bestia, pretende transmitir un carácter humano. deformado por el arrastre de los animales.[6]

4 Capilla Sixtina (1508-1512) de Miguel Ángel

Una de las obras de arte más famosas de la historia, la pintura de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina, contiene algunos secretos científicos sorprendentes. En la "Escena de la Creación", cuando Dios le da a Adán su primera chispa de vida, se representa a Dios con un manto granate flotando detrás de él y sus ángeles, que tienen la forma de un cerebro humano.

Los investigadores de John Hopkins informaron sobre una adición anatómica similar en "Separación de la luz y la oscuridad", donde creen que Miguel Ángel pintó un tronco encefálico y una médula espinal en la base del cuello de Dios. Dado que Miguel Ángel era un hábil artista, escultor y anatomista, estas generalmente se consideran protestas secretas contra la actitud de la Iglesia hacia la ciencia y los descubrimientos.

También aparece en la famosa obra de arte un ángel con una actitud que parece lanzar el "higo", un gesto sarcástico y anticuado con la mano, al profeta Zacarías. Zacharias tiene un asombroso parecido con el Papa Julio II, quien encargó la pintura. A mucha gente no le agradaba, incluido Miguel Ángel.[7]

3 Naturaleza muerta de flores (1726) de Rachel Ruysch

La pintora holandesa de bodegones del Siglo de Oro Rachel Ruysch es considerada por muchos como la mejor pintora de flores. de su época. Reconocido internacionalmente por sus representaciones "elaboradas y microscópicamente detalladas", Ruysch solía pintar combinaciones únicas de flores que florecen en diferentes estaciones. De esa manera nunca podrían confundirse con los reales.

"Cada ramo de Ruysch fue cuidadosamente elaborado para revelar una amplitud de conocimientos, ya sea transmitidos en los tipos específicos de flores o en su estado de floración".

EN Bodegón de flores, amapolas, bocas de dragón, rosas, claveles, malvarrosas, caléndulas, campanillas y un único tulipán llameante rojo y blanco se derraman del jarrón y llenan todo el espacio. Algunas están en plena floración, otras se marchitan y mueren, y los insectos han hecho agujeros en las hojas.

Los estudiosos sostienen que los distintos estados de las flores representadas representan vanitas, un mensaje moral de que "la belleza se desvanece y todos los seres vivos mueren". Sugieren que la pintura de Ruysch tenía como objetivo advertir a sus consumidores holandeses ricos que no se apegaran demasiado a sus posesiones materiales y placeres mundanos porque la salvación eterna viene sólo a través de Dios.[8]

2 El autobús (1929) de Frida Kahlo

Frida Kahlo El autobús Puede parecer una simple representación de las diferentes clases de la sociedad mexicana sentadas una al lado de la otra en un banco de madera en una parada de autobús. Pero tiene un significado más profundo y oculto. A pesar de sus seguidores casi de culto, no todos saben que la artista mexicana estuvo involucrada en un accidente de autobús cuatro años antes de pintar la obra de arte, en el que una barandilla de hierro quedó empalada en su pelvis.

Como Kahlo describió más tarde, se sintió "como una espada atravesando a un toro". La barandilla le rompió la pelvis y le perforó el abdomen y el útero. La columna vertebral estaba rota en tres lugares, la pierna derecha estaba rota en 11 lugares, el hombro estaba dislocado y la clavícula estaba rota. Más tarde se descubrió que también se habían roto tres vértebras más.

La recuperación de Kahlo fue larga y desagradable. Pasó la mayor parte del tiempo en cama con un yeso. El dolor persistente de sus heridas la hizo abandonar su sueño de convertirse en ilustradora médica. También se ha dicho que el accidente la dejó incapaz de tener hijos. El autobús Representa a Kahlo y un grupo de pasajeros esperando el autobús en el trágico día. La mujer de la derecha parece ser Kahlo.[9]

1 32 latas de sopa Campbell's (1962) de Andy Warhol

Pocas obras de arte son menos reconocibles que las de Andy Warhol 32 latas de sopa campbell. Con las 32 variaciones de la sopa Campbell, la serie era la favorita de Warhol. Según el famoso artista pop:

"Debería haber hecho sopas Campbell's y seguir haciéndolas... porque de todos modos todo el mundo sólo hace un cuadro".

Una sensación instantánea cuando se exhiben en la Galería Ferus de Los Ángeles, no todos saben que no fueron creados originalmente para permanecer juntos. El propietario de la galería, Irving Blum, vendió cinco paneles antes de darse cuenta de que harían una venta más sustancial como conjunto. Blum tuvo que localizar las piezas vendidas y volver a comprarlas, incluida una del actor Dennis Hopper. Luego le compró la serie completa a Warhol por unos modestos 3.000 dólares.

A pesar de ser su obra de arte favorita, existe el rumor de que Warhol odiaba la sopa Campbell. en su libro Estallido, el biógrafo Tony Scherman afirmó que Warhol comía sopa a diario cuando era niño porque era todo lo que su familia podía permitirse. Un hecho que, de ser cierto, pinta un panorama completamente diferente.[10]

Referencia : "https://listverse.com/2023/11/05/10-famous-artworks-that-are-not-what-they-appear/"

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