12 formas impactantes en las que el viejo Hollywood trató brutalmente a sus estrellas de cine

El Hollywood que hoy conocemos surgió en 1908. Ese año se estrenó la película. El Conde de Montecristo Se estrenó y la industria empezó a despegar. Apenas tres años después, se inauguró el primer estudio de cine en Sunset Boulevard, en Hollywood. Rápidamente atrajo a muchas otras compañías cinematográficas a California.

En 1920, la tecnología del sonido se introdujo en el cine. Casi de inmediato, provocó un cambio en los objetivos de los estudios cinematográficos. Los actores empezaron a trabajar para ellos en lugar de hacerlo de forma independiente. Durante ese tiempo, MGM Films, Twentieth Century Fox y Paramount fueron considerados los estudios más destacados de la industria. Pagaban bien a sus estrellas más importantes, pero también controlaban sus vidas hasta el más mínimo detalle.

El director del estudio MGM, Eddie Mannix, fue una de las figuras clave de la industria cinematográfica que trabajó duro para proteger la reputación de sus celebridades. Y no fue el único. El Hollywood de ayer era conocido por su ostentación y glamour. Se rumoreaba que hombres como Mannix tenían la capacidad de encubrir cualquier percance que les sucediera a sus actores. Eso incluyó incidentes menores como accidentes automovilísticos y embarazos inesperados. También presentó escándalos mucho mayores.

A lo largo de la época dorada de Hollywood, desde los años 1920 hasta los años 1950, los estudios y sus ejecutivos ejercieron un control casi increíble sobre sus estrellas. Durante estos años dorados, los agentes de Hollywood sometían a sus celebridades de primer nivel a reglas estrictas y exigencias asombrosas. En esta lista, veremos 12 de las reglas más estrictas para las estrellas de cine y celebridades durante la Edad de Oro de Hollywood.

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12 Escribe un contrato a largo plazo o algo así...

A principios de la década de 1920, los estudios cinematográficos de Hollywood enviaron a sus cazatalentos a buscar nuevos actores que pudieran convertirse en celebridades. Estos cazatalentos buscaron actores prometedores y los contrataron. Los documentos legales solían durar varios años o más y estaban destinados a proteger los intereses financieros de los estudios mucho más que los de los actores. Según estos acuerdos, los actores normalmente tenían que trabajar con un estudio específico para muchas, muchas películas futuras.

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Básicamente, no se les permitía rescindir el contrato a menos que fueran despedidos después de que el estudio los considerara no rentables. Y cuando estaban cansados ​​de trabajar o agotados por algún otro motivo, los estudios hacían lo que querían para que funcionaran. Si la relación de un actor con el estudio no era satisfactoria, quedaba atrapado en el contrato por el tiempo determinado por el estudio. Nada podía sacarlos del acuerdo y tenían que seguirlo al pie de la letra para recibir el pago.

A primera vista, puede parecer que a estas celebridades se les pagó generosamente por su trabajo en la pantalla. Algunos íconos de Hollywood ganaban hasta 5.000 dólares a la semana. ¡Eso es mucho dinero en dólares de los años 20! Sin embargo, a medida que aumentaba la fama de un actor, su salario normalmente no seguía el mismo ritmo. Los contratos fijaban sus precios y permanecían ahí independientemente del éxito que tuvieran. Estos contratos tampoco se limitaron a los actores.

También se postularon para directores, guionistas, productores, directores de fotografía, directores de arte y técnicos. Todos los que trabajaban entre bastidores estaban sujetos a contratos muy restrictivos y favorables al estudio. Si no firmaban, no trabajaban. Esta "autosuficiencia del estudio", como se la llamó, hizo que el proceso de producción fuera más eficiente durante un tiempo. Pero esto se produjo a costa de las libertades artísticas de los actores. Sin embargo, durante décadas, las estrellas no pudieron hacer mucho por el sistema actual.[1]

11 Mantente leal o te pondrán en la lista negra

Como hemos visto, durante la época dorada de Hollywood, los actores estaban vinculados por contratos a estudios cinematográficos específicos, lo que les hacía muy difícil explorar nuevos roles y oportunidades con compañías competidoras. Si bien estos contratos a menudo incluían ventajas y beneficios, también requerían un nivel de lealtad que limitaba el rango artístico de los mejores artistas.

En raras ocasiones, los actores recibieron permiso temporal para trabajar con otros estudios en determinadas películas. Este acuerdo, conocido como "préstamo", fue supervisado de cerca por el estudio principal para garantizar que los actores mantuvieran una imagen positiva.

Un excelente ejemplo de esto fue Elizabeth Taylor, quien estuvo bajo contrato con MGM hasta 1960, pero se le dio la libertad de aceptar una variedad de proyectos con otros estudios. Estos proyectos incluían temas más atrevidos, como los embarazos fuera del matrimonio, la homosexualidad y el canibalismo. Mostraron un lado diferente de la actriz en comparación con su trabajo con Metro Goldwyn Mayer.

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Pero ese nivel de "libertad", por limitado que fuera, no estaba al alcance de la mayoría de las estrellas. En realidad, los actores estaban sujetos a sus contratos y estrechamente vinculados a los estudios. Si no seguían las reglas, la industria podría incluirlos en la lista negra. Tomemos el caso de Olivia de Havilland, que saltó a la fama gracias a su papel en Se fue con el viento. Para de Havilland, que tenía contrato con Warner Bros. Desde 1935, pronto se cansó de los personajes limitados y superficiales que le ofrecían. Pronto rechazó los papeles que le asignó el estudio.

Las consecuencias de sus acciones fueron graves. Durante años, De Havilland estuvo prácticamente excluido de la industria. Detrás de escena, Warner Bros. difundió. Los ejecutivos dijeron a otros estudios que no le dieran trabajo debido a su actitud difícil. ¡Todo porque quería tener la menor cantidad de opciones posibles en cuanto a las películas que filmaba! Puede que Hollywood pareciera un lugar donde las estrellas vivían sus sueños, pero la situación detrás de escena era a menudo tensa e incómoda.[2]

10 ¡Nunca rechaces un papel!

De esta manera, los actores quedaron atrapados en contratos vinculantes con sus estudios, dejándolos con poco o ningún control sobre los roles que se les asignaban. Muchos optaron por seguir el status quo porque no querían perder sus empleos. Pero De Havilland adoptó un enfoque diferente. Desafiando a Warner Bros., el estudio que la había contratado en 1935, de Havilland se negó a aceptar los personajes sencillos que le ofrecían.

En una entrevista años después, la veterana estrella se lamentó de que "estos papeles estaban diseñados simplemente para cumplir el papel rutinario de 'La Chica'". Y como resultado, De Havilland empezó a rechazar papeles. los años 30 y 40, y esto molestó a los jefes del estudio, suspendiéndola inmediatamente de sus sets, en el apogeo de su carrera, por lo que De Havilland perdió una cantidad considerable de dinero, fama e influencia al optar por defender sus principios.

Sin embargo, De Havilland estaba decidido. También sabía que el sistema era injusto. No poder rechazar un papel iba en contra de todo lo que debería ser bueno y justo, y quería contraatacar. Utilizó los conocimientos jurídicos que le había dado su padre, un abogado, y dibujó a Warner Bros. ante el tribunal. Después de varios años, salió victoriosa. En 1943 entró en vigor la Sección 2855 del Código del Trabajo, conocida popularmente como "Ley De Havilland".

También conocida como la "regla de los siete años" en los contratos, ayudó a desmantelar el sistema de estudios. Los actores ya no se verían obligados a trabajar para los estudios para siempre, pase lo que pase. Por supuesto, siete años todavía era mucho tiempo (y eso también cambiaría pronto). Pero las reglas de no rechazar nunca un puesto, que habían existido durante décadas, comenzaron a desmoronarse. Como señaló sucintamente más tarde un biógrafo de De Havilland, "él era un gran ladrillo cuando cayó el control del sistema de estudio". Pero eso no significaba que la vida fuera fácil para las estrellas de Hollywood.[3]

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9 Cambiar nombre por fama

Durante la época dorada de Hollywood, era común que los estudios que los catapultaron a la fama cambiaran los nombres de los actores. Judy Garland, Marilyn Monroe y Natalie Wood estuvieron entre las innumerables estrellas cuyas identidades legendarias fueron inventadas por la industria. Los motivos detrás de estos cambios de nombre fueron variados. Sin embargo, a menudo se hacía para crear una determinada imagen o personalidad.

En aquel momento, muchos estudios querían exclusivamente estrellas blancas, que al menos parecieran tener fondos tradicionalmente blancos. Por ejemplo, Margarita Cansino, la actriz que interpretó a Gilda, cambió su nombre para distanciarse de su ascendencia española. Los ejecutivos del estudio exigieron que pareciera más "estadounidense" en la pantalla. Este cambio de imagen borró efectivamente todos los rastros de su origen étnico. Y ella no fue la única.

La actriz Lucille LeSueur se vio obligada a cambiar su nombre por un alto ejecutivo de MGM que pensó que su nombre de nacimiento era de mal gusto. ¿Tu nombre artístico? Joan Crawford. Pero Lucille odiaba el nombre. Con el paso de los años, deseó no haberlo adoptado nunca para hacerse famosa. en la exposición la maquina estelarSe dice que a Crawford le desagradaba profundamente su nuevo nombre a medida que avanzaba su carrera. Sintió que ella le recordaba a un cangrejo de río y no a una actriz explosiva.

El cambio de nombre no se limitó a las estrellas femeninas. Los actores masculinos también tuvieron que pasar por este proceso de borrado de identidad. Un ejemplo notable sería Archibald Alexander Leach. Paramount Studios odió el nombre largo y convirtió a la estrella detrás de él en nada menos que Cary Grant.[4]

8 Mientras lo haces, cambia tu look también.

El cofundador de Metro-Goldwyn-Mayer Studios, Louis B. Mayer, dijo una vez que crear una celebridad era un proceso detrás de escena. "Una estrella se crea, se crea, se construye con cuidado y a sangre fría de la nada", alardeó. Y él no mintió. Durante la época dorada de Hollywood, esta afirmación era cierta.

Mayer creía que el rostro de una estrella era el aspecto más definitorio. Si lucían bien en las fotografías, el estudio podría encargarse del resto. Las estrellas estaban bajo presión para mantener una mandíbula perfecta y una apariencia limpia y elegante. Si no lo hacían, o si empezaban a envejecer, Mayer también tenía una solución para eso.

Hollywood apoyó firmemente el uso de la cirugía plástica ya en la década de 1920. En aquel momento, era una práctica casi desconocida en todo el mundo. Pero en Hollywood la presión era grande y las operaciones eran comunes. Se realizaron procedimientos como cirugía de nariz y estiramientos faciales a estrellas en ciernes. La atención médica relativamente deficiente de la época hacía que a veces la recuperación de tales operaciones fuera muy peligrosa.

Se esperaba que las aspirantes a estrellas de la industria del entretenimiento estuvieran dispuestas a cambiar su apariencia física. Muchos tuvieron que cambiar completamente su imagen si alguna vez quisieron trabajar en la industria. Un ejemplo notable fue la actriz Rita Hayworth, quien se sometió a agotadores procedimientos de electrólisis durante más de dos años para alterar la línea del cabello.

De manera similar, Marilyn Monroe, originalmente llamada Norma Jeane Mortenson, se transformó en la icónica belleza rubia decolorándose y alisándose el cabello. De hecho, tenía el pelo rizado y castaño oscuro cuando llegó por primera vez a Hollywood. Pero la agresiva directora de la agencia, Emmeline Snively, le dijo intencionadamente a Marilyn: "Mira, cariño, si realmente quieres llegar lejos en este negocio, tendrás que decolorarte y alisarte el cabello porque tu cara es demasiado redonda". Ahora”. El sorprendente y contundente consejo se mantuvo, y el resto es historia.[5]

7 Acepta críticas brutales sobre tu carrera.

Durante la época dorada de Hollywood, la apariencia importaba mucho, pero eso no significaba que cualquiera que fuera atractivo pudiera actuar automáticamente. De hecho, los estudios estaban dispuestos a invertir sumas importantes en lecciones de actuación para sus producciones de primer nivel. Como escribió Shirley Temple en su autobiografía estrella infantilA principios de la década de 1930, cuando estaba en ascenso en Hollywood, el ejecutivo de Fox Winfield R. Sheehan les informó a ella y a su madre que debido a su "potencial" insistían en que tomara lecciones de actuación. Para el estudio, estaban dispuestos a asumir el alto coste.

De manera similar, después de firmar su primer contrato con MGM, a Ava Gardner también se le pidió que tomara lecciones. Pero los ejecutivos del estudio fueron mucho más duros al evaluar sus habilidades. Durante la primera prueba de pantalla de Gardner con el estudio, un representante supuestamente dijo: "Ella no puede actuar, no habla, es sensacional". ¡Las críticas llegaron sin mucho apoyo! Y además de las clases de actuación requeridas, Gardner también se vio obligado a tomar lecciones de canto. Los ejecutivos del estudio querían que abandonara el acento sureño y sonara más cosmopolita.

Gardner no fue el único en recibir educación obligatoria. Y ella no fue la única estrella que fue evaluada brutalmente mientras estaba en la pantalla. Lauren Bacall recibió entrenamiento vocal para desarrollar su distintiva "voz profunda y seductora". Afortunadamente lo hizo porque eventualmente se convertiría en su marca registrada. Pero según la autobiografía de Bacall Para miLa visión del director Howard Hawks sobre el tema fue particularmente cruel. Destacó la importancia del ejercicio diario para mantener un tono más bajo.

Como recordó Bacall, Hawks le dijo una vez: "Cuando una mujer se pone emocional o sentimental... no hay nada más desagradable que gritar". Claramente, trabajar en Hollywood no era para personas débiles de corazón. Lo mejor era tomarse en serio las críticas y mejorar, o dejar el trabajo rápidamente.[6]

6 Acepta esta falsa historia de tu vida.

Nada de lo que ves en Hollywood es real. Todo es falso, falso y cuidadosamente elaborado por expertos en publicidad, ejecutivos de estudios y productores ejecutivos. Esto es cierto en la era moderna, y ciertamente lo fue en los viejos años de Hollywood. Durante la Edad de Oro, los estudios preferían perforar a sus estrellas. O eso parecía. A menudo, los departamentos de publicidad de los estudios simplemente daban a los espectadores la impresión de que todas las estrellas eran iguales. Para lograrlo, hicieron todo lo posible para eliminar detalles desagradables de las vidas pasadas de las celebridades.

Tomemos como ejemplo a Joan Crawford, que nació como Lucille LeSueur y tuvo una infancia particularmente difícil. MGM se aseguró de borrar su pasado de la vista, incluso alardeando de que la actriz provenía de una familia de élite de la costa este. ¡Incluso realizaron un concurso público en un momento para que los fanáticos eligieran su nombre! "Cansado de la vida social de una debutante", decía un anuncio de 1925 en el cómic. película semanal Se jactó de que "se había ido de casa para convertirse en actriz". Y con eso nació toda una biografía.

Sin embargo, Crawford no fue el único. Cuando Judy Garland quedó embarazada, MGM estaba preocupada por arruinar su imagen de "inocente" ante los fanáticos, por lo que le ordenaron "tomar más anfetaminas" para revertir su aumento de peso. Mientras tanto, los publicistas enviaron rumores a los tabloides sobre cómo Garland estaba "comiendo como un camionero" para tratar de desviar la atención de su estómago.

Para muchas estrellas, las historias falsas se convirtieron en una carga para el resto de sus vidas. Rita Hayworth nunca pudo deshacerse de la marca de "mujer fatal" que vino con su papel protagónico en GremioUna vez pensó que "todos los hombres que conocía se acostaron con Gilda y se despertaron conmigo".

Y los protagonistas de Hollywood no fueron diferentes. El legendario actor Cary Grant reflexionó una vez que "todo el mundo quiere ser Cary Grant" antes de añadir: "incluso yo quiero ser Cary Grant". Las historias de fondo eran demasiado convincentes para que incluso las propias estrellas las ignoraran.[7]

5 Trabaja incansablemente y toma pastillas para seguir haciéndolo.

Durante el apogeo de Hollywood, las películas se producían a un ritmo asombroso. Los estudios crearon la asombrosa cifra de 7.500 largometrajes entre 1930 y 1945. Este vertiginoso programa de producción sometió a los actores a una enorme presión. Rápidamente, los estudios tuvieron que encontrar una solución. Y fue una solución terrible: simplemente alimentaron a sus actores principales con pastillas.

Según el doctor Lee Siegel de Twentieth Century Fox, era muy común el uso de medicamentos para que las estrellas pudieran seguir trabajando incluso cuando estaban cansadas. Y si la estrella de cine quisiera serlo, ¡se las arreglarán como si no! Siegel continuó diciendo que a principios de la década de 1950, "todo el mundo tomaba pastillas". Fue un régimen brutal que a menudo condujo a abusos y sus devastadoras consecuencias. Pero en el corto plazo, los ejecutivos de los estudios pueden mantener a sus estrellas en activo y ganar dinero produciendo películas.

Uno de los casos de explotación más famosos ocurrió con la famosa intérprete Judy Garland. La actriz y cantante, mejor conocida por su papel en el mago de ozSe le permitía descansar sólo un día a la semana y a menudo soportaba períodos de 18 horas de canto y baile continuo durante los otros seis días.

Para mantener su nivel de energía, el estudio le dio anfetaminas. También le dieron pastillas para dormir por las noches para que bajara de la euforia. Desafortunadamente, cuando intentó buscar ayuda médica o terapia, cualquier retraso en el rodaje resultó en deducciones de su salario. En un momento dado, le debía a MGM más de 100.000 dólares.

Trágicamente, a los 47 años, Garland murió de una sobredosis de drogas. Muchos historiadores hoy reconocen lo corta que fue su vida debido a la situación en el set.[8]

4 Dios no permita que ningún actor principal gane ni siquiera un kilo.

Las atractivas figuras de las actrices de la época dorada de Hollywood no aparecieron por casualidad. De hecho, mantener un físico esbelto era un requisito estricto impuesto por los estudios. El aumento de peso se consideraba inaceptable. Los contratos incluso tenían cláusulas que lo prohibían. Antes de cualquier campaña importante, los ejecutivos del estudio seleccionaban a los nuevos talentos. muchas veces tengo están acompañados por un dietista.

Lamentablemente, los estudios no se cortaron a la hora de mostrar sus expectativas. A veces incluso se peleaban con las estrellas femeninas de una manera realmente terrible. Por ejemplo, el ejecutivo de MGM, Louis B. Mayer, se refirió una vez a Judy Garland como "una cerdita gorda con coletas". Insistió en que siguiera una dieta compuesta únicamente de sopa de pollo, café solo, cigarrillos y pastillas para mantener su peso bajo control.

Cuando llegó a Hollywood en la década de 1920, la actriz sueca Greta Garbo se enfrentó a una dura realidad. Pronto, un productor supuestamente le dijo que al público estadounidense "no le gustan las mujeres gordas". Sorprendida por esta afirmación, Garbo actuó en consecuencia. La actriz recurrió a comer únicamente espinacas durante un período prolongado.

Además de cuidar su alimentación, las actrices de aquella época también debían mantener un estilo de vida activo. Un ejemplo de esto fue, curiosamente, Marilyn Monroe. Era conocida por levantar pesas, algo que no era común entre las actrices de la época. Monroe compartió en una entrevista con Pompa En 1952, dedicaba al menos 10 minutos cada mañana a hacer ejercicio con mancuernas ligeras.

Como muchas estrellas femeninas de su época, sentía una presión infinita para mantenerse delgada y haría cualquier cosa para lograrlo, sin importar el costo físico que le costara a su cuerpo.[9]

3 ¿Qué vida amorosa?

A pesar del atractivo deslumbrante del romance en pantalla retratado en las películas de la época dorada de Hollywood, la realidad fuera de cámara no siempre fue feliz. Los estudios ejercieron una influencia significativa en la vida personal de los actores. Las relaciones románticas en la vida real a menudo estaban sujetas a aprobación y muchas estaban completamente prohibidas. Un ejemplo de esto ocurrió en 1942, entonces ciudad de chicos El actor Mickey Rooney informó al director del estudio MGM, Louis B. Mayer, de sus planes de casarse con la actriz Ava Gardner.

Mayer dijo sin rodeos: “Simplemente lo prohíbo. Eso es todo. "Lo prohíbo". Rooney finalmente pudo celebrar una ceremonia privada. Pero otros no tuvieron tanta suerte. Incluso hubo rumores de que a la actriz Jean Harlow se le había prohibido casarse con William Powell debido a una cláusula desagradable en su contrato.

En aquel entonces, para los actores que se identificaban como homosexuales, la industria del entretenimiento era aún más difícil de navegar. Durante la Edad de Oro, los estudios cinematográficos a menudo obligaban a estos actores a contraer matrimonios falsos con otras estrellas. Los jefes vieron esto como una forma de ocultar su verdadera identidad al público y al mismo tiempo hacer que las estrellas fueran comercializables.

Además, el aborto fue ampliamente aceptado en Hollywood durante la primera mitad del siglo XX. En aquella época, incluso se consideraba una forma rutinaria de "mantenimiento corporal". Una actriz anónima explicó a los periodistas que en aquella época "el aborto era nuestro método anticonceptivo". Los estudios no podían permitirse el lujo de perder a una actriz mientras llevaba un embarazo. Así que manejaron las cosas con frialdad, lo quisiera o no la mujer.[10]

2 Sigue las reglas sobre qué ponerte también.

Antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, el estilo de ropa usado por las mujeres en los Estados Unidos era mucho más formal y conservador que lo que es hoy. A pesar del ascenso de la diseñadora francesa Coco Chanel, quien comenzó a incorporar elementos de la ropa masculina, como pantalones, a la moda femenina a fines de la década de 1920, las normas sociales se mantuvieron rígidas en Estados Unidos. En 1938, por ejemplo, una mujer de Los Ángeles fue encarcelada durante cinco días por el delito de llevar pantalones en el tribunal.

La industria cinematográfica no fue una excepción a esta tendencia. Un artículo de 1933 de película clásica El periódico afirma que los estudios emitieron directivas formales instruyendo a sus actrices a evitar ser fotografiadas o citadas con ropa tradicionalmente usada por hombres.

En las décadas de 1930 y 1940, Hollywood era conocido por su estricto código de vestimenta. Obligó a las actrices a usar vestidos y faldas en público y en los sets. Se consideraba que las mujeres que usaban pantalones infringían las reglas. Incluso podrían ser expulsados ​​de comercios e instalaciones públicas. A pesar de ser alemana, ni siquiera Marlene Dietrich fue inmune a estas rígidas expectativas de la moda. Hay historias de personas a las que se les negó la entrada al elegante restaurante Brown Derby en Los Ángeles sólo por atreverse a usar pantalones.

Sin embargo, no fue otra que Katharine Hepburn quien finalmente ayudó a poner fin a los inflexibles estándares de vestimenta de la industria. Se negó a encajar en el molde estereotipado de una actriz de Hollywood en el set. Cuando el departamento de vestuario de RKO intentó confiscarle los pantalones un día, él protestó desfilando por el estudio en ropa interior. Finalmente, gracias a su postura audaz, Hepburn logró recuperar sus pantalones. Con el tiempo, poco a poco comenzó a allanar el camino para una nueva era de libertad en la moda entre sus compañeras actrices.[11]

1 Prepárate para ser espiado

Como se ganaba mucho dinero en los estudios, los ejecutivos querían estar muy atentos a lo que estaba pasando. Naturalmente, estos gerentes agresivos y autoritarios recurrieron a espiar a sus subordinados para garantizar la eficiencia y la productividad. Los ejecutivos de los estudios a menudo contrataban espías para trabajar en el set y observar el comportamiento de las estrellas más importantes de la producción. Puede ser cualquier empleado. Normalmente, los famosos ni siquiera sospechaban que el conserje, el conductor o un camarero del servicio de catering habían sido enviados para espiarlos las veinticuatro horas del día.

En el peor de los casos, la asistente de confianza de Judy Garland, Betty Asher, fue contratada para espiar a la estrella durante años. Cada semana, Asher informaba a MGM con notas sobre con quién pasaba tiempo Garland, qué comía y qué hacía cuando no estaba en el set. Cuando Garland finalmente se enteró del papel de Asher años después, quedó devastada. "Recuerdo haber llorado durante días después de descubrir lo que me hizo", recordó Garland sobre la aleccionadora revelación.

Los jefes de estudio no estaban simplemente buscando actores. Hollywood era una empresa demasiado grande para dejar a sus empleados con ese tipo de oportunidades. Por lo tanto, a los directores de cine se les encomendó la tarea de vigilar de cerca a todo tipo de empleados de producción. Se contrató a productores de línea, asistentes de producción, guionistas, personal visual y de sonido y otros para espiar a los actores y otras personas.

Una ola de incredulidad se extendió como una corriente subterránea en casi todas las producciones de Hollywood. Y todo ello con el objetivo de conseguir que los viejos y potentes estudios estuvieran bien atendidos cada día sucesivo de grabación.[12]

Referencia : "https://listverse.com/2023/03/29/12-shocking-ways-old-hollywood-was-brutal-to-its-movie-stars/"

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