Diez pioneras del cine que dieron forma al cine
Desde los primeros días en que la incipiente industria cinematográfica se estaba reinventando, mujeres talentosas han desempeñado papeles importantes en el avance tanto del arte como del oficio de contar historias en la pantalla, abriendo nuevos caminos y desafiando las normas de género en el camino. Muchos de aquellos que fueron influyentes artística y técnicamente en su época están casi olvidados hoy. Esto cubre sólo diez de estas increíbles mujeres y su contribución a la industria cinematográfica hace un siglo.
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10/span> Alice Guy Blaché (1873–1968)
En 1896, Alice Guy fue contratada como secretaria de Gaumont, una empresa francesa que fabricaba cámaras y proyectores cinematográficos. Pronto Gaumont comenzó a hacer sus propias películas y se convirtió en el primer director acreditado del mundo. Gracias a la cantidad y calidad de sus películas, en 1905 dirigió a los demás directores de Gaumont y realizó ella misma películas cada vez más ambiciosas.
En una época en la que las escenas a menudo se representaban como obras de teatro y se filmaban con una cámara fija, su espectáculo de treinta y tres minutos era vida de cristo (vida de cristo1906) contó con veinticinco decorados, localizaciones exteriores, más de trescientos extras y la entonces nueva técnica de mover la cámara durante toda la acción. Tras casarse con Herbert Blaché, la pareja se trasladó a Estados Unidos, donde ella instaló su propio estudio en lo que entonces era el centro de la producción cinematográfica estadounidense: Nueva Jersey.
A lo largo de dos décadas, Guy Blaché realizó más de cuatrocientas películas mudas, entre largometrajes melodramas, comedias y películas de acción, alternando roles de directora y productora con su marido. Su negocio floreció hasta que las demandas por infracción presentadas por Edison Trust, que controlaba las patentes relacionadas con la filmación, la impulsaron a unirse a otros cineastas que huían al soleado sur de California. Allí trabajó como asistente de dirección en algunas de las películas de su marido, pero nunca hizo su propia película.[1]
9 Germaine Dulac (1882-1942)
La palabra autor podría haberse acuñado para describir a Germaine Dulac, la otra directora francesa, que sentó las bases de la próxima generación del cine experimental. En 1915 pasó de escribir críticas de teatro y cine para una revista feminista a realizar sus propias películas imaginativas y atrevidas.
Las diez peores adaptaciones de libro a película jamás filmadasEn sus más de dos docenas de películas mudas, se centró principalmente en la expresión de emociones a través de la atmósfera, lo que logró mediante iluminación creativa, ángulos de cámara y edición. Su retrato surrealista de las fantasías sexuales de un sacerdote en La Coquille y el sacerdote (La concha y el sacerdote1928) impulsó a la Junta Británica de Censores Cinematográficos a prohibirla, diciendo: "Si esta película tiene algún significado, es verdaderamente ofensiva".
Dulac fue nombrada Oficial de la Legión de Honor francesa en 1929 en reconocimiento a su contribución a la industria cinematográfica. Pero su estilo dramático altamente visual no se tradujo bien en el cine sonoro. Durante la década de 1930 realizó documentales y noticieros, eligiendo temas personales y cotidianos de acuerdo con su deseo de promover el entendimiento entre las personas. Durante la censura nazi durante la Segunda Guerra Mundial, puso fin a su publicación de teoría y crítica cinematográfica. Sin embargo, utilizó su influencia en el campo para garantizar que se conservaran muchas copias de películas confiscadas.[2]
8 Luisa Weber (1879-1939)
La directora, productora, escritora y actriz Lois Weber fue una combinación creativa mucho antes de que existiera ese término. De 1911 a 1914 realizó más de ochenta cortometrajes, entre ellos Voltaje (1913), que utilizó innovaciones como primeros planos y pantallas de tres partes para crear suspenso y mostrar acciones simultáneas.
Weber fue la primera mujer estadounidense en codirigir un largometraje El mercader de Venecia (1914), donde también interpretó a Portia. En dos años era la directora mejor pagada del mundo, aclamada por la crítica y con entradas agotadas en los cines de la ciudad de Nueva York a un dólar la entrada.
Weber fue audaz tanto en sus imágenes como en sus temas, abordando temas como el aborto, la prostitución y el control de la natalidad. EN hipócrita (1915), utilizó la doble exposición para hacer que una estatua que representaba la verdad desnuda se convirtiera en una mujer desnuda, o eso parecía. ¿Dónde están mis hijos? (1916) fue prohibido en Pensilvania por ser "no apto para ser exhibido por gente decente". Pero fue un éxito de taquilla en otros lugares.
Pero a medida que la Gran Depresión se profundizó y el interés por las películas con conciencia social disminuyó, su productora fracasó. Hizo su última película, y la única sonora, en 1934.[3]
Las 10 mejores canciones temáticas de televisión de la década de 19707 Elinor Glyn (1864-1943)
Esta novelista inglesa no inventó el atractivo sexual, pero demostró que se puede vender. Después de publicar una serie de novelas románticas escandalosas (y tremendamente populares) sobre las clases altas, Elinor Glyn llevó su talento a Hollywood en 1920 con un contrato por valor de 10.000 libras esterlinas (equivalente a más de 692.000 dólares de 2023). Durante los años siguientes, adaptó a la pantalla algunos de sus libros más vendidos, entre ellos tres semanas (1924), es hora (1924), y hombre y virgen (1925).
Glyn contribuyó a la historia del cine y del lenguaje con el lanzamiento de Él (1927), protagonizada por Clara Bow, quien se hizo conocida como la "It Girl". ingresar Cosmopolita revista, Glyn definió "Eso" como "esa cualidad que poseen unas pocas personas y que atrae a todos los demás con su vitalidad magnética". Para los cinéfilos acérrimos de los locos años veinte, "Eso" llegó a significar sexo. El éxito de la película demostró que "It" significó una gran taquilla.[4]
6 Mabel Normand (1892-1930)
Mabel Normand hizo reír al público desde ambos lados de la cámara. Después de trabajar como modelo de artista y extra de cine, en 1912 se asoció con Mack Sennett, creador de Keystone Kops, y se convirtió en una de las favoritas de los fanáticos con su característica comedia física. Normand apareció en más de doscientos cortometrajes y desarrolló su propia marca de productos populares, como Los trucos de mabel (1912) y El terrible error de Mabel (1913).
Normand también dirigió diez películas, entre ellas La extraña situación de Mabel (1914), en la que el recién llegado a Hollywood Charlie Chaplin presentó su personaje como el pequeño vagabundo. Sennett afirmaría más tarde que Chaplin aprendió a dirigir de Normand. Ese mismo año tocó con Chaplin. El romance perforado de Tilliela primera película de comedia estadounidense.
A pesar de esta serie de éxitos, la carrera de Normand a mediados de la década de 1920 se vio empañada por la mala publicidad debido a su supuesta conexión con escándalos de alto perfil: el caso de violación de Fatty Arbuckle, el asesinato de un amigo cercano de ella y un tiroteo cometido por ella. . conductor. En los últimos tiempos del cine mudo, murió de tuberculosis a la edad de treinta y siete años.[5]
5 Junio Mathis (1887-1927)
La influencia de June Mathis no se limitó a las más de cien películas mudas que ella misma escribió. En 1920, era jefa de producción en Metro Pictures (que luego se fusionaría con Goldwyn Studios para convertirse en MGM) y su única directora. Su poderosa posición le permitió supervisar los guiones, las actividades en el set y las decisiones de edición (equivalentes a un productor moderno) de películas, incluida la de Elinor Glyn. tres semanas.
10 películas de terror donde nunca ves al villanoCon ojo para las futuras estrellas, eligió a Buster Keaton para su primer largometraje (el cabezal de la sierra1920) y le dio a Rudolph Valentino su papel destacado en Los cuatro jinetes del apocalipsis (1921), la película más taquillera del año.
Mathis siguió escribiendo camilla (1921) y cuatro papeles protagónicos más para Valentino, además Ben-Hur: una historia de Cristo (1925) para Ramón Novarro. Estos consolidaron su posición como una figura importante de Hollywood. Su carrera se vio truncada cuando sufrió un infarto mortal a la edad de cuarenta años.[6]
4 María Pickford (1892-1979)
La actriz infantil canadiense Gladys Smith creció hasta convertirse en la novia de Estados Unidos, Mary Pickford. Incluso cuando las primeras películas mudas no daban crédito a los nombres de los artistas, el encanto de Pickford en la pantalla se destacó, convirtiéndola en una de las primeras estrellas de cine de Estados Unidos. En 1912 apareció en la portada del primer número de juego de fotos diario. Cinco años después, firmó un contrato que le pagaba 350.000 dólares (frente a 8,1 millones de dólares en 2023) por cada una de las tres películas.
Pero Pickford era más que una belleza. rostro debajo de rizos de niña, y usó su riqueza y poder de estrella para dar forma a su floreciente profesión. Para mantener un mayor control creativo y financiero, se unió al actor Douglas Fairbanks Sr., al director DW Griffin y a Charlie Chaplin para formar el estudio United Artists en 1919, sirviendo a menudo como productor de sus películas.
Pickford también cofundó la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, el Motion Picture Relief Fund para ayudar a los trabajadores industriales necesitados y la Sociedad de Productores Independientes de Cine, que desafió los monopolios de los estudios. La Academia reconoció a Pickford como Mejor Actriz por Coqueta (1929), su primera película sonora. En 1976 consiguió uno. Óscar honorario "En reconocimiento a su contribución única a la industria cinematográfica y al desarrollo del cine como medio artístico".[7]
3 Dorothy Arzner (1897-1979)
Dorothy Arzner comenzó a escribir guiones y se convirtió en lectora, editora y editora. Su habilidad e ingenio al agregar imágenes de archivo de escenas taurinas a Valentino. sangre y arena (1922) ayudó a allanar el camino para que se convirtiera en la única directora que trabajaba dentro del sistema de estudio. Arzner fue también uno de los pocos directores que logró hacer la transición del cine mudo al sonoro. Para la fiesta salvaje (1929), implementaron el primer micrófono con brazo colocándolo en un poste largo sostenido por encima del alcance de la cámara, lo que mejoró la calidad del sonido y dio a los actores una mayor libertad de movimiento.
En 1933, Arzner se unió al recién formado Directors Guild of America y siguió siendo su única miembro femenina hasta que Ida Lupino fue admitida en 1950. En más de veinte películas a lo largo de dos décadas, Arzner fue conocida por contar historias de mujeres complejas e independientes interpretadas por A- Listers estrellas, incluidas Katharine Hepburn, Joan Crawford, Rosalind Russell y Claudette Colbert. Durante la Segunda Guerra Mundial, realizó vídeos de entrenamiento para el Cuerpo de Mujeres del Ejército. Posteriormente enseñó cine en UCLA.[8]
2 Marion Fairfax (1875-1970)
Después de disfrutar de un modesto éxito como dramaturga, Marion Fairfax se dirigió al oeste para escribir para la pantalla en 1915. Sus 49 películas abarcaron desde comedia hasta drama, incluidos vehículos para estrellas como Mary Pickford, John Barrymore, Norma Talmadge y Dorothy Gish. También dirigió su guión a La verdad mentirosa (1922), que abordó los temas controvertidos de la drogadicción, los males de la justicia colectiva y los derechos de los mineros sindicalizados.
Fairfax siguió el éxito de sherlock holmes (1922) con el mundo perdido (1925), basada en otra obra de Sir Arthur Conan Doyle y una de las películas más taquilleras del año. Además de escribir el guión, supervisó la edición, el título y la producción de este primer largometraje que utilizó animación stop-motion, creando las bestias prehistóricas más realistas que el público haya visto jamás.
Mientras estaba bajo contrato con First National Pictures (que más tarde se convertiría en Warner Bros.), su influencia se extendió más allá de sus propias películas, ya que a menudo se la consultaba sobre la calidad de otros proyectos en producción. Se jubiló en 1926, quizás por problemas de salud, pero vivió otras cuatro décadas.[9]
1 Frances Marion (1888-1973)
A medida que las películas mudas maduraron, el trabajo del autor evolucionó desde la creación de escenarios toscos hasta la composición de títulos con diálogos y narraciones cada vez más sofisticados. La ex periodista Frances Marion aprendió cine como asistente de Lois Weber. Su guión atrajo la atención de Mary Pickford, quien se convirtió en la guionista favorita y amiga de toda la vida de Pickford. Se incluyen sus películas juntos. Rebecca de la granja Sunnybrook (1917), una pequeña princesa (1917), y la luz del amor (1921), que Marion también dirigió ante la insistencia de Pickford. En 1926, Marion ganaba 3.000 dólares a la semana (casi 50.000 dólares en 2023) tanto por adaptaciones como por historias originales.
Cuando las películas empezaron a hablar, Marion insertó las palabras. Grabó las primeras líneas habladas de Greta Garbo. ana cristian (1930) y ganó el Premio de la Academia por la casa grande (1930) y el maestro (1931). Su legado duradero incluye Cena a las ocho (1933), El vehículo Shirley Temple pobre chica rica (1936), y el buen pais (1937).
Marion también escribió literalmente el libro sobre su oficio, Cómo escribir y vender historias de películas (1937). A medida que aumentaba el poder de los principales estudios corporativos y disminuía el control creativo de Marion, ella rompió su contrato con MGM y se convirtió en trabajadora independiente. En su autobiografía, ¡Que les corten la cabeza! Una comedia seria de Hollywood (1972) Marion dijo: "Espero que mi historia muestre una cosa: cuántas mujeres me brindaron ayuda real cuando me encontraba en una encrucijada".[10]
Referencia : "https://listverse.com/2023/03/03/10-female-film-pioneers-who-shaped-the-movies/"
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